L’altro nasce dallo stupore di fronte ai profili architettonici costituenti l’identità delle città, animati da attori antropologicamente e culturalmente stranieri e destinati a costruire comunque la nuova identità urbana.

Le immagini de L’altro si pongono come contemplazione della dignità e della grandezza del fenomeno umano e sono in grado di prefigurare la condizione presente e futura della civiltà europea.

Il libro contiene 36 personaggi, basati su una struttura primaria formata da 4 immagini: la prima, singola, dedicata alla veduta urbana esterna, seguita da un trittico dedicato al volto e alla figura della persona immigrata e al suo ambiente. Le immagini singole si propongono di comunicare una nuova percezione della città. I trittici si propongono di dare forma e voce ai personaggi della storia che sta iniziando adesso, secondo una rappresentazione epica, con la centralità del volto e con il drammatico contrappunto laterale tra le memorie etniche delle figure umane fotografate e le memorie architettoniche interne ed esterne della loro nuova città.

Coedizione Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

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Nel panorama dell’arte contemporanea, i fotografi americani Joel Meyerowitz e Richard Misrach testimoniano “la bellezza del mondo e il coraggio che è necessario per sopravvivere in esso”. Con la sua visione contemplativa e spettacolare, Meyerowitz, nella tradizione della East Coast, ha affrontato il tema della città nel destino dell’Occidente, mentre Misrach nei suoi Desert Cantos sta componendo un poema visivo sul tema apocalittico del West americano come luogo dove la storia dell’uomo può incontrare l’infinito.

Il volume, realizzato in stretta collaborazione con i fotografi, ripercorre analiticamente l’opera e la genealogia dei due autori, affrontando i punti decisivi della storia della fotografia americana del Novecento e i nodi fondamentali dell’arte occidentale contemporanea.

Coedizione Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

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Le conversazioni affrontano i temi fondamentali dell’oggi: il compito dell’arte e la responsabilità dell’artista, la condizione umana e culturale dell’Occidente, la necessità e la difficoltà della speranza nell’epoca del nichilismo e del materialismo contemporanei. Le fotografie testimoniano della forza della luce nell’orizzonte del mondo. Come scrive Adams: “Le fotografie sono i luoghi che amo. Vederli ha significato tutto. Le fotografie sono l’unica risposta che proporrei ad alcune domande”.

Coedizione Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

2009: Robert Adams vince il prestigioso Hasselblad Foundation International Award in Photography. La Fondazione riconosce nei suoi scatti “documenti formidabili che riflettono i confini, le preoccupazioni globali sull’ambiente, eppure intravedono i segni umani e gli elementi di speranza nei cambiamenti di paesaggio”.

«Non ci sono molti grandi fiumi nell’Ovest americano, ma c’è un buon numero di torrenti, piccoli corsi d’acqua e canali d’irrigazione, sorgenti e rami di fiumi. Dopo aver fotografato questo paesaggio dovrei cercare di parlarne? Per quale ragione o dovere? Forse soltanto per il privilegio di aver visto l’Ovest quando era più aperto, così che nulla di quanto è avvenuto da allora, per quanto brutto, possa oscurarne del tutto la promessa».
dalla prefazione dell’Autore

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Fotografie e video intrecciano così una riflessione che si rivela per contrasto, quasi in negativo, complice una luce dimezzata, che sottrae il luogo comune al suo stereotipo e investe di nuova coscienza punti di vista e possibilità fin qui inesplorate.

Testo di Davide Lacagnina
Coedizione Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

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Da posizioni “privilegiate” Carmelo Bongiorno – artista catanese noto in Italia e in Europa con numerose mostre e pubblicazioni alle spalle – crea un inedito racconto che si svolge sul filo delle emozioni, scrive una nuova storia attraverso il potere evocativo e la poesia delle sue immagini, trasforma armonie musicali in note di luce.

Note di luce è un lavoro sul mondo della musica, un’opera di ampio respiro che attraverso l’immagine del grande Teatro catanese diventa opera universale sui teatri del mondo, attraverso un linguaggio profondo e contemporaneo svela il linguaggio della bellezza e della grande musica. Il lavoro è composto da 77 immagini inedite in bianco nero e a colori realizzate nell’arco di un anno.

Coedizione Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

Questo volume, insieme alla omonima mostra itinerante, sono stati commissionati dall’E.A.R. Teatro Massimo Bellini di Catania

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In questo lento e spettacolare attraversamento della penisola, che contiene la storia e la figura dell’Occidente, Daniele De Lonti ha trovato l’occasione per cercare una nuova immagine della propria identità e dell’identità della sua nazione.

Nell’atto di fotografare il “Giro d’Italia”, De Lonti decide di essere un uomo comune e di diventare uno spettatore qualunque. Egli sceglie il giorno prima il punto significativo in cui scattare l’immagine della tappa del giorno dopo. E in quel punto aspetta immobile come il paesaggio, immobile come la folla, immobile come gli edifici, davanti ai corridori che sfrecciano invisibili come il vento.

Nelle venti fotografie, una per ogni tappa del Giro, De Lonti inverte la gerarchia dell’evento: i campioni del ciclismo sono come il flusso indistinto del tempo che scorre e tutto fa svanire. Veri protagonisti di questo viaggio in Italia sono gli spettatori, i luoghi, le architetture antiche e moderne e gli straordinari scenari della nostra penisola. Nella leggerezza di un nuovo sguardo, le immagini di De Lonti ci fanno comprendere che è l’Italia con la sua straordinaria complessità e bellezza a viaggiare dentro di noi, donandoci un istante di stupore e di gioia.

Traduzione in inglese a cura di Richard Sadleir

Coedizione Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

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Un personalissimo diario della luce che nell’umile piccolezza dei luoghi e dei gesti quotidiani rivela ad ognuno la grandezza e la responsabilità di essere immagine e somiglianza di Dio, chiamati a vivere nel tempo secondo un destino unico, irrepetibile ed eterno.

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«Spesso Tarkovskij rifletteva su questa fuga del “tempo” e voleva, appunto, fermarlo perfino con queste rapide occhiate della Polaroid.» (dall’introduzione di Tonino Guerra)

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Chiaramonte giunge alla rappresentazione del paesaggio e alla veduta urbana dopo un lungo periodo di riflessione teoretica maturata alla fine degli anni Settanta. La sequenza Paesaggio italiano, esposta allo Studio Marconi di Milano e pubblicata con la prefazione di Arturo Carlo Quintavalle nel 1983, segna l’inizio della lunga stagione della fotografia italiana dedicata al tema del luogo e che ha la prima manifestazione collettiva in Viaggio in Italia del gennaio 1984.

Scena privilegiata di millenni di storia umana, l’Italia è stata plasmata dalle diverse civiltà dell’Occidente e per questo è l’unico spazio veramente contemporaneo, quello dove i diversi tempi delle diverse culture sono presenti nello stesso luogo, generando un’infinità di centri che nell’orizzonte della visione si pongono come punti di fuga significativi e duraturi.

Nella fotografia di Chiaramonte ogni forma concreta, ogni figura visibile, ogni frammento architettonico che si staglia nel profilo della penisola è parte di un labirinto, è specchio di un enigma, è immagine di una prospettiva che lo sguardo deve contemplare assorto per scoprire dopo lenta osservazione la traccia di un senso, il segno di un amore nascosto eppure sempre attivo e presente.

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In Chiaramonte’s pictures, the world opens up to a moment of reflection and contemplation on the destiny of man and civilization. And in travel, every aspect of reality is revealed as a sublime vision, the trace of a nearness that is friend, the echo of a memory long repressed and now surfacing again as a foretaste of love.

Coedition Ultreya/Itaca, Milano-Castel Bolognese

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